Wakanda Forever: el vestuario en la utopía africana de Black Panther


*spoilers adelante*

Wakanda es un país imaginado. Una nación cuyos avances tecnológicos superan los de cualquier otra –dentro y fuera del universo Marvel. Una capital ultramoderna –gracias a sus minas de Vibranium- que también se guía por la tradición, la mística y el ritual. La diosa felina Bast ha bendecido a Wakanda con el acceso a un material extraterrestre que impulsa su desarrollo pero además permite a sus líderes alcanzar un poder sobrehumano e incluso encontrarse con sus predecesores en el otro mundo.

Esta película está enmarcada en el afrofuturismo, una corriente estética que funde la riqueza cultural negra con ciencia ficción y fantasía. Esta dualidad (futuro y tecnología vs. pasado y mística) es evidente en el vestuario de los protagonistas. Elementos simbólicos y maestría artesanal de diferentes culturas africanas se mezclan con trazos de diseño contemporáneo. Haré lo posible por contarles más al respecto:

Una clave para pensar en la estética de esta utopía africana es que Wakanda nunca fue colonizada, así que tenían la intención de evitar siluetas y técnicas influenciadas por los holandeses o los ingleses. 
¿cómo habría florecido la cultura africana sin la colonización? esa es la pregunta que Black Panther responde a través de la fantasía y posiblemente una de las razones por las que ha sido aclamada por la audiencia negra.



LA DISEÑADORA PERFECTA

La mujer a cargo del vestuario de Black Panther es Ruth E. Carter, primera diseñadora afroamericana en ser nominada a un premio de la Academia –Por Malcolm X en 1992 y por Amistad en 1997. En su larga trayectoria también están películas como Selma (2014) y Roots (2016) que van revelando por qué era perfecta para este proyecto con identidad afro.



La propuesta de Ruth se apoyó en “la biblia”, un documento con descripciones y detalles de Wakanda, creada por Ryan Coogler (director y guionista) y Hannah Beachler (diseñadora de producción) que a su vez tiene como referentes los cómics de Black Panther. Carter supera ampliamente estos marcos estéticos y, a su inspiración en las diferentes culturas africanas, suma la de modistos contemporáneos del continente y hasta de la tendencia Afropunk. Carter menciona incluso a los diseñadores japoneses Issey Miyake y Yohji Yamamoto como influencias.

Además de joyeros, artesanos, tejedores, herreros y más de 100 compradores en Sudáfrica, Nigeria y Corea del Sur, Ruth colaboró con diseñadores de origen africano que han incorporado el estilo tradicional de sus países en looks de vanguardia: Ozwald Boateng, IkiréJones, Duro Olowu y Laduma, con su marca Maxhosa (TODOS SON LA LOCURA!).
Para ser más rigurosos desde lo funcional, trajeron a la vestuarista principal del Ballet de Boston como cortadora experta para los trajes de los dobles de acción, para que pudieran moverse libremente, como bailarines.

Este es el traje que debutó en Civil War y figura al comienzo de Black Panther.

La pantera

La primera aparición de Black Panther es en Captain America: Civil War y el look fue una construcción un poco afanada (creado por el diseñador de personajes Ryan Meinerding) que tendría que ser la base para el estilo del héroe en su propia película. De hecho, Chadwick Boseman confesó a la diseñadora que en ese primer traje no podía respirar, no podía levantar los brazos siquiera. Carter, sin experiencia previa diseñando para superhéroes, contó con ayuda de personal participante en otras películas de este corte para resolver el tema del confort. La tela predilecta se llama Eurojersey, un material ligero que estira en todas las direcciones y debe pedirse con anticipación pues otras producciones de superhéroes también trabajan con la misma materia prima (imagino a los diseñadores de Marvel y DC peleando por quedarse con todo el Eurojersey de la temporada). La máscara también se diseñó con paneles removibles para que Boseman pudiera quitarlos en ciertos momentos y respirar mejor.

El primer look de la película vs. el traje renovado que le propone Shuri.

La ausencia de color en el look no los limitó para dibujar un cuerpo fuerte y masculino, acentuando músculos y creando cierto efecto estilizado, evocando las líneas de un gran felino. Se asignó incluso una persona para estudiar de qué manera se movía el cuerpo para que al estirar, flexionar y correr, los patrones dibujados en el traje no se deformaran. “A ese tipo hay que darle unas vacaciones”, aconseja Ruth.

Concept art del nuevo traje de Black Panther

Estas fotos de exhibición en feria son menos imponentes pero dejan ver mejor la calidad de los materiales.
Aquí se percibe lo delgado y elástico que es el traje.

En el nuevo traje que Shuri diseña en la película se aprecian pequeños símbolos que no son solo para darle un aire más “africano”. Hacen referencia a DOOMWAR, una miniserie de comics de Marvel en donde Black Panther intenta incorporar magia a sus técnicas de combate, para no depender enteramente del Vibranium. Este es un detalle para los mega fans (no lo pillé yo, viene de verdaderos mega fans).


Con el traje brotando del collar se resuelve muuuuy conveniente la transformación del héroe. Piénsenlo: la forma de asumir ese tema es clave en todas las historias de superhéroes, desde Clark rompiendo su camisa para revelar una S icónica hasta el nuevo Spiderman cambiándose de afán en un callejón para ponerse su traje caserito. Tener el pretexto de tecnología nunca antes vista es justo lo que necesitaban en Marvel. Es más, parece que la idea es que el traje de Ironman en Infinity Wars siga un recurso similar al de la pantera.





Concept art de T'Challa.

El rey

T’Challa es un símbolo en Wakanda, así que su apariencia debe reflejar los valores de su país y evitar influencias extranjeras (los rastros coloniales, por ejm). Cada uno de sus atuendos lleva detalles hechos a mano y tejidos de lujo, expresiones de realeza tradicionales. Más allá de eso, toman símbolos de realeza de diferentes culturas africanas para que no quede duda de quién está al poder.


Izq: Mandela y Osei Tutu II, rey del pueblo Ashanti vestidos con tejido Kente.
Dcha: T'Challa en traje con solapas en Kente.

Cerca al final de la película, T’Challa usa un tejido kente, creado para vestir a la realeza del pueblo Ashanti de Ghana entre el siglo XVIII y el XX. Incluso hoy, cuando se crea un nuevo diseño de tejido Kente, se ofrece primero a la casa real y si el rey no quiere ese diseño, puede venderse al público. Los diseños de la realeza Ashanti no pueden ser usados por otros.

 
Bordados tradicionales nigerianos

Los caftanes y los bordados nigerianos fueron una importante influencia para las siluetas del rey.


Concept art de Ramonda.

Ramonda: el poder

Angela Basset es la encarnación de la elegancia y para Ruth, era importante que su primera impresión mostrara de la forma más imponente a la reina de Wakanda. Una buena forma de representar este poder tradicional femenino es a través del volumen. Coronas, tocados y piezas aparatosas que suman altura y tamaño a la cabeza, han sido símbolos de alta jerarquía en pueblos de todos los continentes. En el caso de las mujeres, se suman prendas voluminosas que acentúan las curvas naturales del cuerpo y también elementos aparatosos que no permiten mucha movilidad. 

Arriba: Ana Bolena. Abajo: Elizabeth I. Ambas de la serie Elizabeth I de la BBC.


La imponente “mantilla” no es una artesanía africana. Se creó en la impresora 3D más grande del mundo, ubicada en Bélgica, y tardaron 6 meses en fabricarla. Su corona, una de las piezas más icónicas de la película, se inspira en el sombrero Isicholo del pueblo Zulu. En el pasado, este sombrero se hacía con pelo humano y se cosía a la cabeza de las mujeres casadas, quienes lo usaban como muestra de respeto con sus familias y esposos, además que indicaba que estaban “fuera del mercado”. Actualmente, los sombreros se utilizan solo en ceremonias especiales.

Esto último tiene un motivo común también en diferentes culturas humanas: la idea de la mujer ornamento, la mujer de status que no trabaja, que no se viste sola, no se desplaza y puede darse el lujo de ser adorno. Sea o no la personalidad de Ramonda, lo cierto es que su primer look definitivamente es para generar deleite estético y empequeñecer a cualquiera que esté en su presencia. 

Mujeres Zulu con isicholo

Busto de Nefertiti. No es una referencia de Carter pero para mí, hay una relación innegable entre estas formas egipcias y las de Ramonda.




Confieso que aunque los sombreros serán unas de las piezas más memorables de la película, me encantó ver a Basset con dreadlocks blancos cuando escapan de Killmonger.




Según afirma Letitia Wright, este peinado se inspiró en la princesa Leia.

Shuri: el futuro desafiante

Uno de mis personajes favoritos en esta película y sin duda un modelo a seguir para las niñas que la vean. Shuri es el equivalente a Q en James Bond, creando los más increíbles juguetes para el héroe de Wakanda pero además es el personaje que cuestiona la tradición. No permite que la descarten por ser joven o por ser mujer y en un momento crítico de la historia, desafía la soberanía de Killmonger para hacer lo que cree correcto.




Su apariencia no es la de una princesa, sino la de una mujer de ciencia. Carter diseñó los looks imaginando que Shuri los creó para sí misma, algo fácil después de hacer el traje de Black Panther. Tanto énfasis se hace en el talento de Shuri como diseñadora que incluso crea para su hermano unos zapatos especiales. "Fully automated, like the old American movie Baba used to watch. And I made them completely sound absorbent. Guess what I call them? sneakers" - Lo de sneakers es mi tiro favorito de todo Black Panther y la película referente (por si no adivinaron) es Back to the Future II.







Okoye: la tradición

La líder militar de Wakanda y general de la Dora Milaje, ejército personal del rey es uno de los personajes más populares de la historia. En la versión del cómic, la Dora Milaje no solo es el ejército personal del rey sino una especie de banco de posibles esposas. Este elemento se descartó para la película, afortunadamente, y decidieron hacer énfasis en la fuerza e imponencia, en su confort al luchar y no en darles ese look sexy irreal que ha sido un problema común cuando el cine muestra guerreras. Los uniformes son representativos de los más altos honores militares del país.

Guerreras Dahomey, 1897.

Mujer Ndebele.

El collar es un detalle insignia de Okoye y no solo de su armadura. 

La inspiración de los comics fue esencial para el look de Okoye y las “doras”. Originalmente se basaron en las amazonas de Dahomey, mujeres vírgenes y despiadadas que protegían al soberano de ese reino.  Los anillos en el cuello se inspiran en los usados por las mujeres Ndebele, de Sudáfrica, que usan estas joyas para mostrar status marital (a mi parecer, es un elemento poco funcional para combatir). En cuanto a los intensos rojos de las armaduras, la idea era que al ver 4 guerreras juntas, se sintiera que había 10 por la fuerza del color. El rojo también es un tono simbólico para la tribu Masai, especialmente para los cazadores.

Guerreros Masai
Mujeres Masai


Los trajes de los samurái también fueron una inspiración: a pesar de ser soldados futuristas, su apariencia es casi totalmente artesanal. “Queríamos que parecieran uniformes que habían existido por siglos, que esos trajes han sido pasados por generaciones a sus hijos”. Cada Dora tiene pequeños detalles diferentes: texturas que representan su tribu, muñecas de fertilidad, un talismán, etc. Adicionalmente, hay sutiles expresiones del rango militar en la joyería, Okoye es la única que usa piezas doradas.

Aquí se ven las diferencias en el look de Okoye y una soldado del Dora Milaje.


Okoye es una mujer fiel a la tradición. Incluso al tener que ir de encubierto en el casino, elige el rojo, una gargantilla que evoca su uniforme militar y toques artesanales. Se hace énfasis en la incomodidad que siente de ir con peluca (hasta la usa de arma!) y al final, al verla sobre ese auto con su lanza en la mano, tenemos la sensación de que ese vestido fue elegido para moverse con libertad en caso de combate. 


Nakia es verde, T'Challa es negro y Okoye es rojo: representan la bandera panafricana. 

Concept art de Nakia.

Nakia: la mujer polifacética

No es solo una guerrera (y la mejor de su tribu), es también una “war dog”, una espía fuera de Wakanda y una princesa africana. El verde es el color de su pueblo, la tribu del río que vive rodeada de una exuberante naturaleza, y este tono está presente en casi todos sus looks.


Mujeres de la tribu Sur (Etiopía).

Concept art vs. el look final. 


El estilo de Nakia es cambiante, por su condición de espía. La primera vez que la vemos rescatando mujeres secuestradas va de encubierto, con velo sobre la cabeza como ellas (parece ser una referencia a las niñas nigerianas secuestradas por Boko Haram). Su look para la visita al casino también es una forma de disfraz: un atuendo estilizado para una adinerada mujer africana que no despertaría sospechas. Con el patrón metalizado, querían insinuar que había tecnología de vibranium tejida en el traje.

 


Como les conté antes, Wakanda es un rincón de África que no fue colonizado y esto se refleja en el pelo de sus personajes: no se usan extensiones, alisado químico ni pelucas (ahora entienden por qué Okoye odiaba la suya). Nakia lleva su pelo natural con el mismo orgullo de Lupita Nyong’o, que ha sido una firme defensora de esta estética y la ha lucido en sus más recientes apariciones. Parece una tontería, pero el tema del pelo de las mujeres negras tiene todo un cuento, a muchas todavía se les señala como “sucias” o “desordenadas” por llevarlo así y en los últimos años, se ha buscado una reivindicación de la belleza del afro, las trenzas apretadas y hasta las rastas.


Look de Lupita en la premier de la película.


Sabiendo que Michael B. Jordan es un megafan del ánime, el internet planteó la teoría de que este fue el referente del look (no es cierto pero me reí).

Killmonger: el afroamericano

Como villano es uno de los personajes más populares, no solo por su look sino porque los matices de su historia nos permiten identificarnos con él y, hasta cierto punto entender su motivación. A nivel de narrativa, la relación entre él y T’Challa es africano vs. afroamericano y, para lograrlo, a Eric se le viste con prendas de diseñadores de corte urbano: botas militares de Balmain, pantalones de tiro caído y chaqueta en denim. Las gafas y el estilo de pelo y barba le dan además un toquecito hipster que funciona muy bien para revelar una actitud global y trendy. Ese primer look es clave para despistar al personal del museo, que no imaginan que se trate de un conocedor de arqueología africana o un hombre con poder. Es estilo urbano pero no reconocen el nivel de sofisticación detrás de eso. “Si vieran las etiquetas de precio de todas sus prendas, estaríamos tocando los miles de dólares antes de llegar siquiera a la camiseta”, cuenta Carter, que para este proceso se fue de compras a tiendas de diseñador con Michael B. Jordan, buscando que las piezas realmente reflejaran la estética norteamericana.



Su look de combate se compone de un poderoso chaleco militar con un ligero toque africano en las cintas; un buzo azul, color que para Ryan Coogler evoca a la policía y la autoridad; además de pantalones camuflados, que terminan de poner en evidencia la trayectoria militar de Killmonger.



Hombre de la tribu Dassanech (Etiopía). Son varios los pueblos que modifican el cuerpo con escarificaciones y por diferentes motivos rituales o de jerarquía. En este caso, significa que el hombre ha matado a un enemigo en batalla.

Aunque este personaje no es originario de África, la historia plantea que Killmonger practica la escarificación ritual, donde cada cicatriz representa un blanco asesinado. La finalidad es similar a la que emplean las tribus que se marcan: intimidar y hacer evidente su poder en combate.

El look más intrigante y controversial es el traje de “Jaguar dorado” que usa para combatir a la pantera negra al final de la película. Asumimos que se trata de unos de los looks que Shuri diseñó para T’Challa y ha sido modificado (ni idea por quién) para fundirse mejor con el estilo de Killmonger. ¿Por qué un jaguar? No encuentro información directa de Coogler o Carter al respecto, pero algunos fans especulan que se trata de un guiño a la procedencia de Eric: el jaguar no es africano, es nativo de América. Otros señalan que no se trata de un jaguar sino de un leopardo y que puede ser una referencia a Preyy, el leopardo entrenado de Killmonger en algunos comics.



Hay detalles diferenciadores, además del tono dorado y el patrón de leopardo/jaguar (que también parece camuflado), como el rostro lleno de líneas en vibranium para dibujar las fauces abiertas de un felino feroz. También hay sutiles puntos en las texturas que recuerdan las escarificaciones de la piel de Eric. Lamentablemente, estos toques especiales de color y textura no son tan evidentes en la película y solo se aprecian bien en fotografía.






Otras referencias interesantes

Créanme, si pudiera haría un libro entero sobre el vestuario de esta película. Pero van 8 páginas así que me conformo con contarles los detalles que más me gustaron:


El anciano de la tribu del río

Isaach De Bankolé (de Costa de Marfil) interpreta al papá de Nakia y miembro del consejo del rey. Es uno de los looks más memorables de la película por mezclar pasado y presente: una modificación corporal ancestral (se usa desde 8.700 AC) poco común para el público de occidente con un hermoso traje sastre. “Usualmente vemos estos discos labiales en National Geographic llevados por mujeres descubiertas sentadas en el suelo y aquí está él sentado con elegancia en un hermoso traje del diseñador Ozwald Boateng. Él le pone muchísimo orgullo y honor a su apariencia”, dice Ruth. Los platos labiales son más comunes en mujeres pero los hombres también los utilizan en ciertas tribus como símbolo de status.

Mujer de la tribu Suri.

Encontré esta foto que NO corresponde al look aprobado de la película. Es probable que se trate de una de las opciones descartadas (fue buena idea quitar la corbata).

El creador del traje es inglés con ascendencia ghanesa y en sus piezas incorpora patrones tribales. El look es claramente occidental (le iban a poner corbata y se arrepintieron) pero por su color recuerda a los Sapeurs del Congo. La historia de estos personajes es TAN INTERESANTE que si la cuento, me tomaría otras 8 páginas (pero por aquí pueden conocer más). A grandes rasgos: hombres que se inspiran en el estilo formal europeo e invierten grandes cantidades de dinero en trajes, accesorios y elementos ostentosos, incluso cuando sus condiciones de vida están en marcado contraste con ese nivel de lujo. 



Izq: W'Kabi, líder de la tribu de la frontera. Dcha: hombre con manta Basotho. 

Tribu de la frontera
En apariencia, pastores humildes de un país de tercer mundo (lo que se cree que es Wakanda), pero se encargan de proteger las fronteras. Sus hermosas mantas de colores fueron algunos de los diseños más sorprendentes de la película. Piezas de colores con Vibranium tejido entre sus fibras para convertirlas en unos escudos increíbles y ocultando debajo las armas de los guerreros.

Esas mantas son indumentaria del pueblo Basotho. En Lesotho, una zona montañosa cerca a Sudáfrica en donde cae la nieve en el invierno, son prendas que abrigan y llevan tejidos símbolos con significados especiales. Por el valor cultural que tienen, solo hay una empresa autorizada por los Basotho para fabricar estas mantas.



Tribu de mercaderes
Para los looks de una de las tribus con mayor poder económico, se inspiraron en la estética del pueblo Himba, del norte de Namibia. Seminómadas en tierra árida, los Himba no usan vestuario elaborado pero su apariencia es distintiva. Para cuidarse del sol, las mujeres se cubren con una mezcla de manteca y ocre que pinta su piel de rojo. Lo más interesante de su estilo está en la cabeza: sobre la corona formas esculturales moldeadas con pelo, tejidos y conchas, mientras en los lados caen gruesos cordones de pelo y barro.
 

Para terminar: tal vez lo más interesante de estos looks es saber que los originales son igual o incluso más extraordinarios. Aquí van algunos looks tribales que inspiraron a Ruth E. Carter y que creo que también me dejan inspirada a mí. 



Los looks de los bailarines del pueblo Dogon de Mali inspiraron los trajes con flecos de los Jabari. Las prendas ceremoniales hacen parte de una celebración anual. 



Maquillaje de la tribu Karo (foto de Mario Gerth).

Tribu Fulani (se usó joyería de esta tribu)

Se compró joyería de artesanas masai.



Una de las razones por las que valoro tanto la propuesta estética de la película es porque ha sido tomada por las audiencias negras como un llamado a sentir orgullo por la cultura africana, a redescubrir el propio origen y mostrarlo al mundo. 
El fin de semana de estreno de la película en Estados Unidos fue un fenómeno de moda negra donde grandes y niños vistieron sus mejores looks inspirados en Wakanda para celebrar que un superhéroe como ellos se quedaba con la gloria. Y así fue, porque Black Panther ocupa actualmente el puesto 14 de películas con mayor recaudo de la historia y se espera que siga subiendo en el ranking. 

*Si leyeron hasta aquí, gracias :)

2 comentarios:

  1. Me compré el disfraz jajaj de Black Panther y literal me salió super económico. Lo compré por una página muy buena, y sinceramente a colombia pocos pesos. La página es muy buena se llama https://encarguelo.com/ y sinceramente la recomiendo para hacer compras en USA desde Colombia

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  2. Excelente artículo, muy completo y detenidamente analizado. Me hubiese gustado haber leído más.

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